鈴木愛理A #DMAF

 以前、鈴木愛理さんの歌う「君の好きなひと」を聴いて、「自分で曲や詞を書いた方が良い」なんて記事を勝手に書いてしまいましたが、作詞をされていることを後で知りました。

 というか、あれから鈴木さんの歌を色々聴いて、「なんだこれは!」と思った曲がもう一曲あり。
 それは「#DMAF」という曲なのですが、明らかに他の曲とは違う迫力を感じました。

 で、調べてみたら案の定、「作詞:鈴木愛理」

 鈴木さんが作詞をされているのは知らなかったのですが、この歌を聴いた時、無性にそんな気がしたのです。
 
歌詞自体に、「愛をこめて 歌を歌おう ありったけの声で」という部分があるから、というのもあったかも知れませんが、それにしても、明らかに他の歌とは密度の違う音楽性を感じました。

 鈴木さんの歌に足りないと思っていた「ソウル」が、この歌にはありました。

 やっぱり違う。自分で書いた詞を歌うのって。
 
歌い方は素直で、そんなに表情をいじった歌い方はしていないけど、熱量というか、歌としての迫力がずっとある。
 アイドルソングではなく、シンガーの歌になっていました。

 あれから鈴木さんの歌を色々聴きましたよ。
 あと、ファンの人の評価とか、逆にアンチっぽい人の評価も。

 ただ、結論から言うと、鈴木さんは、歌の「技術」をもっと高めたほうがいいと思いました。

 ファンが絶賛するのはおいといて、アンチの人は、鈴木さんの歌に対して、「上手いだけ」「鈴木愛理の歌からは何も伝わらない」「正確に歌ってるだけで表現力がない」みたいなのが多い。

 ようは、鈴木さんは、歌が上手いだけで音楽表現に乏しい、という批判です。
 
しかし僕は、その批評は全く違ってると思う。
 
はっきり言って、鈴木さんって、技術的にはあまり上手くはなく、むしろ高いのは表現力のほうでしょう。

 といって、下手だというわけじゃありません。
 表現力と技術とのバランスが悪く、内在するエモーションに見合った技術が絶対的に足りてないんだと思う。
 鈴木さんの中には、もっと、すごい表現力が秘められているのに、それを表現しきる歌唱力が明らかに不足してるから、そのせいで歌の完成度の低さを感じてしまったり、表現が十分に伝わってこないんだと思う。

 技術面で不足する最たる例がビブラート。

 鈴木さんはビブラートが下手だ。
 っていうか、天然で軽くかかることはあるけれど、コントロールしてはかけられないのだろう。

 ポップス歌唱は、ビブラートは必須じゃないし、ビブラートを使わなくても素晴らしい歌い手は沢山います。
 だから、ビブラートがないからダメだと言いたいわけじゃあない。

 でも、鈴木さんが表現しようとしているモノは、ビブラートが出来たほうが、絶対もっと良くなる。
 単にビブラートが出来ればいいと言っているわけではありません。
 鈴木さんの中には、もっともっと複雑な音楽があるから、そこにビブラートという引き出しが増えれば、もっと遠くのモノに手が届くように思う、ということです。

 ビブラートは、コントロールして使えるようになると、色々な応用がきく。
 特に、ロングトーンの表現の幅が各段に増える。
 ビブラートなしでの長い声って、そのままではあまり聴けたもんじゃないから、そもそも長く声を伸ばさないし、伸ばした時はリリースで上にあげて切ったり、ベントダウンするといった手法を使ったりしがちだけど、結局ワンパターンになってしまう。

 「#DMAF」で言えば、ビブラートがなくとも、九割は完成されているとは思う。
 けど、例えば中間部分の「伝えたい、伝えなきゃ、今すぐ」の最後の「ぐ」の伸ばしでは、三拍半くらいで声を上にあげて切っているけれど、本当はそこでビブラートに転じてさらに一拍半くらい伸ばしたほうが、ずっと歌のスケールが上がる。

 でも、そのことには、鈴木さんも感覚的には気付いてるんだと思う。
 だから、ビブラートのないストレートな声で聴かせられるのは三拍半だとわかっていて、でもビブラートが使えないから、そこで声を上ずらせて切るというアイドル歌唱的な処理で済ませてしまっている。

 最後のサビの「できることはこれしかないから」の終わりの伸ばしなんかも、一番の聴かせどころで、一番・二番の同じフレーズでは短く切っているのをリズムを変えてロングトーンにしていますが、ここでもビブラートをかけれたら、もっと歌の表情が上る。
 一番・二番はビブラートがないことが、張り詰めたようなテンションを生んでいてむしろ良いのだけれど、最後は感情が堰を切って溢れだしたかのようにビブラートがかかると、もっとドラマチックになると思う。

 こんな感じで、ビブラートのひき出しが増えると、それ自体の有効性に加えて、それらを使った時の効果がより高まります。

 でも、こうしたことって、鈴木さん自身も、感性の中では気付いてるんじゃないかと思う。
 だから、鈴木さんの歌を聴いていると、色々なところで、どうせ届かないからと、跳ぶのをあきらめて向こう側に行かずに留まっている人のように感じるのです。

 ハイトーンの声の選択もそう。
 「Identity」という歌のライブでも、前半で上の音をヘッドボイスで攻めたかと思うと、後半ではファルセットで流したり。
 意図的なのか、最初からそういう歌なのかわからないけれど、無難に「逃げた」ように感じてしまう。

 ファルセットの本質は、高音を出すための発声法ではなく、「音色」としての選択です。
 だから、高音が出るかでないかとは関係なく、ファルセットの音色が欲しい時に使うのが正しい。

 でも、鈴木さんは、音色の選択としてファルセットを使ってるんじゃなくて、高音をファルセットで無難にこなしているように感じる瞬間がよくある。

 やっぱり、なまじアイドル歴が長いため、ステージをミスなくこなす意識が先にあるのかも知れないけれど、声がひっくり返ろうが、シャウトになってしまおうが、感情ありきで攻めてこその「ロック」だったりするのに、鈴木さんの歌は、いつもどこか小さくまとまってしまっている。

 もちろん、あまり崩れ過ぎたり、毎回声がひっくり返ってしまってたらダメだとは思う。
 でも、極端な例として尾崎豊なんかは、声がひっくりかえったり、声が枯れて音程も上がりきっていなかったりする、その崩れっぷりが「尾崎らしさ」として魅力になったりすることもあるので、結局一番大事なのは、無難に音を当てることではなく、そこに「ソウル」があるかどうかだと思います。

 ただ、いずれにしても、自分が目指す理想の音を「声」にするためには「技術」が必要で、鈴木さんは、そこをもっと詰めたほうがいいように思う。

 ファンの人は、鈴木さんは歌が上手いと褒めそやし、アンチは「上手いだけで表現がない」と批判するけれど、そのどちらも正しくなく、鈴木さんは昔から「表現の人」だと思う。

 Buono!や℃-ute時代の鈴木さんの歌を聴いて、他との違いを感じたのもそこだからです。
 Buono!なんて、他の二人も、基本的に音程やリズムはそこそこいい。
 でも、鈴木さんだけ少し色が違うように感じるのは、そこに音楽としてのエモーションがあるからです。

 ℃-ute時代は、小学生時代の歌のほうがいい。
 高校生あたりの映像もちょっと観たけど、正直、仕事としてこなしているだけにしか感じない。
 年齢と共に、どんどん歌い方がつまらなくなっているように感じました。
 (アイドル的なものやダンス的にどうなのかはわかりません。あくまで歌だけです)

 鈴木さんがどういう考えでそうなったのかはわからないけれど、たぶん、小学生時代は、そもそも子供だから、そこまで複雑な表現要素は持っていなくて、だから、鈴木さんに内在する全力の感情と、歌の技術が一致していたんでしょう。
 だから、明らかに声が輝いて活き活きと感じる。

 それが、高校生くらいのは、たぶん技術が上ってはいるけれど、精神的な成長とともに、内在する感情も複雑になっているのに、それを歌で表現しきるほどの技術的ひき出しがないため、心と声が一致せず、その結果として心がこもっていないように聴こえるんじゃないかと思う。

 ソロになってからの鈴木さんは、心と声がかなり一致してきているようには思うけれど、それでもまだ技術が追い付いてない。たぶん。

 あと、歌詞の技術としても、「#DMAF」の詞は、たぶん鈴木さんの本気の本心が詞になっているから、そういう点では十分にソウルフルに感じたけれど、「詩」としてのレベルは高くない。
 題名の意味は、ファンに向けたものらしいけれど、ほんとかな?
 特定のダイレクトメッセージかと思うくらい、真っすぐな思いとして感じたけれど、いずれにしろ正直だから聴けるだけで、アートとしてはまだまだ。

 あと、さらに細かいことを言うと、単語の途中で区切ってブレスを取るのも、ちょっと気になってしまう。
 一番の「言葉にしてしまったら」で、「こ」で区切ってブレスし、「とばにしてしまったら」と歌ったり、中間部の「振り返らないって」では「ふりか」で切り、「えらないって」と歌ったり。
 これは、同じリズムの繰り返しを、リズム優先で歌っているからそうなるんだろうけど、詞を大事にするなら、むしろリズムやフレージングを詞に合わせるのが普通だと思う。
 シンガーソングライターでこの歌い方は微妙だなあ。
 あいみょんさんのマリーゴールドなんかでは、わざと切って歌ったりしてるけど、それでファンキーなリズムのグルーヴを生んでいるからであって、鈴木さんのこの歌ではその必要性を特に感じないので……

 鈴木さんの歌を聴いていると、すごく良いものを感じるのに、ところどころこうした違和感があってもったいなく感じてしまうから、もっと歌唱技術を磨き、そして作詞法、さらには作曲法まで磨いて、眠ってる才能を花開かせて欲しいと思う。

 元人気アイドルだけに、最初から露出も多く、大きなハコで歌い、それ故に求められる完成度が最初から高いという難しさもあるのかも知れないけれど、それについても考え直すのもいいんじゃないかなあ? って思う。

 普通の歌手なら誰もが通るはずの、アンダーグラウンドでの実験・冒険期間を過ごしてないから、どうしても小さくまとまるのが優先されてるんじゃないかと思ってしまう。

 平井堅さんなんて、二十歳くらいでデビューしたけれど、そこから全く売れない暗黒時代を8年近く過ごしたり、スガシカオさんなんてサラリーマンをやってて三十歳でデビューしたりしてるんだから、それに比べりゃ二十五歳の鈴木さんなんて、今からでももっとはじけた経験をしたほうが、より大きな花が開きそうに思ったり。

 いっそ路上で、何の飾りも演出もない、素のままの歌の熱量をファンでも何でもない人にバチバチぶつける経験なんてのもしてみたらいいんじゃないの? って思うくらい。

 せっかく素質と魅力を秘めた歌い手だと思ってるんで、頑張ってほしいです。

※2021年2月加筆↓

 鈴木愛理さんが、シャランQの「シングルベッド」を歌っている動画を観ました。
 結論からいうと、音楽的にはちょっと残念に感じました。
 ですが、チャレンジしてるという点ではある意味感心しました。(上から目線)

 この記事の前文で、守りに入っているように聞こえると書きましたが、このシングルベッドでは、色々な歌い方に挑戦してることは明らかでした。たぶん鈴木さんは、自分の引き出しを増やそうとしてますね。
 テレビとなると無難になりがちなところ、あえてチャレンジしたのが好感持てます。

 ちょっと話は違うかもしれませんが、オーケストラのNHK交響楽団は、テレビ放映される演奏会では、非常に手堅くしょうもない演奏をすることで有名です。なんでも、ミスをするとペナルティがあるらしい……。だから、N響の真の実力を聴きたければ、テレビ中継のないライブを聴くべし、と昔から言われてます(笑)

 鈴木愛理さんが歌う「シングルベッド」は、ネットには3つの映像がありました。
 一つ目は中学生くらい。二つ目はたぶん高校生くらい。そして三つ目が今回。

 一番良いのは、断然中学生の時。
 技術的には一番単純で、表現の幅も狭い。
 けれど、間違いなく一番「音楽」がのっています。
 一番ダメなのは高校生?の時かな。
 あまり面白味がないのと、喉が疲れてるのか音程が不安定で、全体的に低いのがよろしくない。

 中学生の時のは、たとえるなら子供が一所懸命、慎重に、全力で作った卵焼き。
 料理としては単純だけど、丁寧に、全力で真面目に作った感じで、シンプルに美味しい、って感じ。
 二つ目のは、高校生が市販のルーで作ったカレー。
 まあ、子供の卵焼きよりはずっと手間がかかっいて、普通においしいけど、といって洗練されてるわけでもなく、何よりご飯がべちゃべちゃだったり、料理の基本を外してしまってるような感じで、全体の出来映えを損なってしまったような感じ。(音程の低さが致命的)
 今回のは、手間も技術も必要な難しい料理にチャレンジして、一応できたけど上手には仕上がらなかった感じでしょうか。
 まずくはないけれど、なんかゴテゴテ手を加えすぎて、何の料理が分からなくなってしまったような感じ。

 一番気になったのが、歌全体のストーリー構成。
 サビの部分を、1番なしで2番に飛んでいましたが、そうなるとあの歌い方は、表現が強すぎる。
 起承転結で、承を飛ばしていきなり「転」に入ってしまった感じです。
 デートでいえば、盛り上がりの順序やムードを無視して、いきなり抱きつかれたような感じ……
 2番に飛んだのはテレビの尺で仕方ないとしても、この構成なら、あまり表現を崩さず、メロディアスな表現にしたほうが良かったと思う。
 ファンなら受け止められるのかもしれないけど、普通に聴いたらあきらかに強引な展開に感じました。

 ただ、テレビ局に勝手にカットされたんだ仕方ない部分もありますが、それはそれで、それも想定するか、事前確認して歌い方を考えたほうがよかったでしょうね……
 なんか、すごくもったいない。

 音楽の構成って、特に表現の強いタイプの人にとっては、ポップスでも、クラシックでも、意外と難しい悩みではあると思う。
 たとえばクラシックの交響曲なんかは、1楽章から4楽章まで、だいたい40分〜1時間近くある。
 けど、1楽章がすごい好きだったりすると、つい1楽章から全開で演奏してしまいがち。
 でも、1楽章でマックス表現を使い切ってしまうと、一番盛り上げないと行けない4楽章が盛り上げきれず、聴いてる側からすると、トータルでの満足度が下がってしまうんですよね。
 料理のコースだと、前菜のインパクトが強すぎるとかね。
 前菜の味が強すぎると、メインになって味に飽きてしまったり、印象が薄れてしまう。

 もちろん、ストーリー構成は、全てが起承転結ではありません。
 唐突に急展開からはじまる映画もあるし、サビ頭の歌だってある。
 ただ、どのような構成であれ、全体の組み立てはすごく大事だ。

 鈴木愛理さんの話に戻すと、中学生の時のシングルベッドは、尺のバランスがちょうど良かったのもあるけれど、まだ幼いということもあって、そんなに強い表現はなく、すごく素直に歌が耳に入ってくる。あと、声の響きがとても音楽的。
 ただ、それだけで終わったらちょっと歌のうまい子供で終わるところ、一番最後の「ああ、辛くないのに……」のワンフレーズが素晴らしくて、そのたった数秒で、歌全体に何とも言えない余韻と印象を残すことに成功していました。

 どこが素晴らしいかというと、まず「辛くない」の「な」で音をしゃくり、「い」で、わずかに音程を揺らすところ。
 これは鈴木さんの歌い方のクセだろうけど、同じフレーズでも2番ではそれほど目立たない。
 全体がストレートに歌われてい
る流れの中で、最後のコーダで耳に飛び込んでくる、ここの音程のしゃくりと揺らぎが絶妙に心に甘くひっかかり、そして最終音の伸ばしのあとに、溜息のような息漏れが入る。
 この最後のワンフレーズが、中学生とは思えない恋しさ・切なさを感じさせるんですよね。
 これによって、淡々と歌われていた歌が、まるでずっと感情を我慢してこらえていたように思わせる、ドラマチックな効果を生んでいるんです。
 本人はそこまで計算はしてないと思いますが、自分の持ってる音楽を全部を出し切ったからこそ、偶然的に生まれたものかも知れませんね。

 一方、今回の鈴木さんの場合、駆使している表現一つひとつは悪くないんだけれど、こちらがまだそのテンションに至ってないのに、感情的にワーっと来られたみたいな感じで、あれもこれもと受け止めきれないんです。
 子供の感情なら全部出されても受け止められるけど、大人の複雑な感情をいきなり全部出されたら大変ですよ。

 ……とはいえ、色々な挑戦が感じられる音のタッチとかは、試行錯誤してるんだろうなって思うから、個人的な評価ポイントも沢山あります。
 というか、こんなにも色んな表現の引き出しを試そうとしてるのか!? と思うと、そこはむしろすごいと思いました。
 1曲をフルでちゃんと歌ったり、長いライブなら歌い方も違うだろうし、構成も自然になるのかも知れない。

 ただ、今の鈴木さんが表現したいものが、今回のテレビの尺では無理があったのかも知れません。
 極端なたとえだと、もし長渕剛さんに4分だけお願いなんてしたら、とんでもないことになるでしょう。
 そんな感覚かも知れません。
 
 想像力が広がってる時って、あれやこれやと詰め込みたくなるんですよね。でも、まあたいがい、それはやりすぎなんですよね(笑)
 で、やりたいことを一通りやり切って、散々失敗もして、感情を発散しきってようやく、まとまるようになっていく。
 今の鈴木さんは、そんな時期なのかも知れない。

 いいなー、青春だなー。羨ましい。
 負けてらんねー。

 

 


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